Einladungskarte

Den Videoarbeiten von Henning Tilp ist ein skulpturales Moment gemein. Erzählerische Ansätze negierend schafft er mit den Videobildern choregrafierte Ansichten zueinandergeführter Elemente. Menschen, Objekte, Räume bilden einen Anschauungszusammenhang, der durch den im Video möglichen Zeitablauf eine Zustandsänderung erfährt.
Die Nähe zur Skulptur unterstreicht Tilp durch konsequent durchdachte und gestaltete Einbettung der Videopräsentation im Raumzusammenhang.

Die Rauminstallation der Ausstellung »Solo Master« zeigt in einer Videoprojektion eine Gruppe junger Menschen, draußen, es ist Nacht. In an eine Warteschlange vor einem Tanzlokal erinnernde Formation gebracht, bewegen sie sich stetig voran. Ihr Ziel bleibt verborgen. Ein zweites, kleineres Videobild lässt eine Einzelperson im Tanz versunken erscheinen. Der Raum, besetzt durch skulpturhaft wirkende Möblierung ist nur durch das Licht der Projektionen gedämpft gewahr zu werden. Der Raum mit den großen Schaufenstern ist durch geschlossene Jalousien verdunkelt und privatisiert. Was nicht so bleibt …

Zur Ausstellung präsentiert der Künstler weitere Objekte im Kabinett der Galerie.

Anton C. Kunze (Galerist Galerie Hafenrand Hamburg)

http://www.hafenrand.com

Einladungskarte

“ich weiß nicht wer wen mehr vermisst” verweist von Anfang an auf mindestens zwei Themenkreise, die in enger Beziehung zueinander stehen und sich teilweise überlagern: Es sind einerseits Unsicherheit und das Zweifeln, andererseits kann der Titel die Andeutung auf ein Defizit sozialer Interaktion – genauer noch – das Gespür dafür vermitteln.

Auf die Frage nach eigener künstlerischer Identität, der die Künstler und Künstlerinnen der hier ausgestellten Generation zweifelsfrei ausgesetzt sind, gehen die 3 Austellenden in unterschiedlicher Weise zu. Integrativ wirkt in der Zusammensetzung, dass die Auseinandersetzung nicht in einem autistisch losen Raum von Träumen und Wünschen erfolgt. Die facettenreichen Arbeiten betten das Ringen in ein reales Umfeld, das ebenso von Verlangen und Träumen geprägt ein “Generationenzuhause” darstellt: die Clubkultur.

Nun findet sich dieser Verweis in unterschiedlich stark abstrahierter Form sowohl in den Malereien und Aquarellen von Stefan Marx, den installativen Arbeiten und Materialcollagen Katharina Trudzinskis als auch dem Werk von Henning Tilp.

Marx, der seine künstlerische Arbeit durch eine rege Veröffentlichungspraxis von Heften und Büchern sowie der gestalterischen Arbeit für ein Skateboardlabel begleitet, vollzieht mit den fast seriell anmutenden Arbeiten eine Sektion zwischen Rhytmus und Melodie. Sein Bezug zur aktuellen elektronischen Musik, die geprägt ist von schroffen oft harten Beats mit verbundenen Harmonien, die zwar verwoben, aber dennoch emotional trennbar vom zeitgebenden Takt erscheinen. Die durch ihre Schwärze betonten Malereien mögen die Ebene des Rückenmarks spiegeln, das die Tanzenden sich im Rhytmus bewegen lässt und der inneren Erlebniswelt den Halt gibt, im äußeren sozialen Erlebnis ein Teil einer gemeinsamen Bewegung zu sein. In den als Komplementär zu verstehenden farbknalligen Aquarellen meint man dieses innere Erlebnis von Musik in Farben und dynamischen Einzelformen nachspüren zu können. Das Schwingen zwischen Anonymität in der Masse, Gruppenerlebnis und Exposition durch die individuellen Bewegungen auf einer Tanzfläche spielt hier wohl ebenfalls eine Rolle.

Vielleicht ist es ein ähnlicher Widerstreit dem ein Künstler ausgesetzt ist, der die Zeit an der Akademie noch nicht lange hinter sich hat, nun auf dem Berufsfeld Stand gewinnen muss. Eigentlich soll er oder sie erst einmal “nur das eigene Ding durchziehen”, Erfahrung sammeln, experimentieren, sich nicht verunsichern lassen. Aber dennoch steht dann und wann die Zeit der Ausstellung an, das zur Schau und damit zur Disposition stellen, sich vermeintlich angreifbar machen.

Henning Tilp ist in seinen Videoarbeiten und Installationen schon in der Vergangenheit über die konzentrierte Aufmerksamkeit auf eine zeitlich und örtlich begrenzte Situation auf weitgefasste Themenfelder eingegangen. Inhaltlich hat er oft Coolness, das “being into it” und Stylewars auf eine hintergründig ironische Art so thematisiert, dass sich interessante Denk- und Diskussionsperspektiven ergeben, die den unmittelbaren Kosmos der Arbeiten verlassen können.
Die für die Ausstellung erstellte Skulpturengruppe erweitert sein Oeuvre somit adäquat. Die Formen, das Schwarz und wir selbst, denn die Betrachter und alles im Raum werden von der glatten Oberfläche des Klavierlacks gespiegelt, lassen das Objekt zwischen Fetisch und Narzisskomplex geraten, wobei es sich selbst vielleicht entgegen seiner Stofflichkeit leicht und mit anspielungsreichem Humor als Extremvergrößerung eines Earplugs entpuppt.
Tilps Videobild Club IIa – eine Gruppe junger, scheinbar unbeteiligt wirkender Leute vor weißem Grund – bildet den Endpunkt der Ausstellung und funktioniert trotz vermeintlich inszenierten Stillstand als Angelpunkt und somit isoliertes Beurteilungsobjekt unterschiedlichster Rezeption und Rezeptionstiefe. Die eingefrorene Haltungen kontrastieren das Verhältnis von Einzelfigur zur Gruppe. Hierbei ist die fehlende Interaktion der Personen untereinander von bedeutender Rolle – die Harmonie des Gesamtbildes entsteht ohne Erzählung nur durch die Komposition der unterschiedlichen Körperhaltungen.

Anton C. Kunze – Galerist Galerie Hafenrand Hamburg

Ein im Innenhof vor der Galerie befindliches Pflanzenbeet wurde rundherum und innen mit Spiegeln verkleidet.

Objects In Mirror Are Closer Than They Appear

Als der Berliner Galerist Jan Winkelmann Jan Sledz und Henning Tilp einlud, eine Arbeit für die Ausstellung „Volume II – How does it feel?“ anzufertigen, lauteten seine Vorgaben: „Macht `ne Intervention. Aber nichts Politisches!“
Der Leipziger Professor für Medienkunst Joachim Blank bittet seit 2006 einmal jährlich einen Gast, eine Ausstellung mit den Arbeiten seiner Schüler zu kuratieren. Letztes Jahr folgte Ben Kaufmann (schreibweise) der Einladung, dieses Jahr ist es Jan Winkelmann. Er nahm seine Rolle ernst und lud von vierzig Studenten nur sieben ein und zwar in seine Berliner Galerie. War das so gedacht: die Klassenausstellung als Billett in die Kunstmarktzone? Und wo wird da eine ganze Klasse repräsentiert?
Die Nichteingeladenen reagierten mit Unmut, den man auch vor dem Hintergrund sehen muss, dass die Fachklasse Blank vor einem reichlichen Jahr einen beeindruckenden Projektraum in einer marktfreien Enklave auf dem Gelände der Leipziger Baumwollspinnerei errichtete. Wer hat nun den schwarzen Peter in diesem Spiel: der Kunstmarkt, der ideengebende Professor, der Galerist, die Sieben, die’s geschafft haben?
Sledz und Tilp betreten mit ihrem Beitrag den Galerieraum Winkelmanns nicht. Ihre Arbeit erstreckt sich auf ein etwa vier Mal vier Meter großes betonumbordetes Rasengeviert vor dem Ausstellungsraum, in dem ein schwachbrüstiger Baum steht. Sie haben die Betonborde an allen freiliegenden Seiten mit Spiegeln verkleidet und ein Protokoll der Telefonate zwischen ihnen und Winkelmann von außen ans Galeriefenster geklebt.
Die Künstler haben die Gelegenheit bekommen, in einer professionellen und bekannten Galerie auszustellen. „How does it feel“ – wie fühlt sich das jetzt eigentlich an? Zufrieden könnten Sledz und Tilp jetzt in den Räumen stehen und nach draußen blicken. Doch dort sehen sie nur sich selbst – in den Spiegelkanten der Grünfläche.
Wie in ihrer gemeinsamen Arbeit „Arbeiten im Gleisbett“ ist auch die Verspiegelung skulptural angelegt. Während die polierten und mit goldenen Kappen versehenen Gleise der U2 unterm Berliner Alexanderplatz Diskurse von Sicherheit und Sauberkeit evozierten, bleiben die Spiegel selbstreferentiell und schrammen mit ihrem Selbstverweis dieselbe Lächerlichkeit, die Winkelmanns eingangs erwähnte Vorgaben ins Spiel gebracht haben. Die Möglichkeit, Kunst bis zum Bersten mit Diskursen und Rechfertigungen zu bepacken sowie gleichzeitig die Angst genau davor – „Nichts Politisches!“ – regieren in die künstlerische Praxis hinein. Ob die Spiegel sich dem entziehen, bleibt als ningelnd gestellte Frage offen, wenn man sich eine Zeit dafür nehmen mag, die länger ist als der Moment, den der wissende Insider zum Abschreiten braucht. Unterdessen könnte man die Arbeit mit einem herzlichen Don’t qualifizieren: Sie ist schlicht und ergreifend dekorativ.

Robert Schimke

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